Nichts anderes klingt wie Vintage-Blechbläser: Diese CSO-Musiker sind begeisterte Sammler alter Zeiten

Nur wenige bestreiten, dass eine jahrhundertealte Geige begehrter sein wird als ihre neueren Gegenstücke, vorausgesetzt, sie war von Anfang an gut gemacht. So sind Gitarrenbauer wie Stradivari und Guarneri zu bekannten Namen geworden, unabhängig davon, ob Sie den Unterschied zwischen Prokofjew und Smirnoff kennen.

Aber alte Blechblasinstrumente mit vergleichbarem Stammbaum erfreuen sich außerhalb einer Nische von Blechbläser-Enthusiasten nicht an solchen Hagiographien. Ihre Reparaturbedürfnisse können esoterisch sein, ihre Intonation lückenhaft, die notwendige Atemunterstützung eine Herausforderung. Dies setzt voraus, dass solche Instrumente im Laufe der Jahre ausreichend gewartet wurden, um verwendbar zu bleiben, und dass sie keine verbeulten oder oxidierten Verschmutzungen aufweisen.

Dennoch schwören einige wenige Blechbläser auf jahrhundertealte Instrumente, insbesondere von deutschen Herstellern. Und die temperamentvollsten Anhänger dieser Instrumente auf dieser Seite des Atlantiks sind genau hier, in der Blechbläsersektion des Chicago Symphony Orchestra.

Soloposaunist Jay Friedman, der seit seiner Studienzeit Vintage-Instrumente sammelt, verfügt über eine Sammlung, die sogar Dirigent Christian Thielemann begeisterte, als er im vergangenen Oktober hier dirigierte. („Er war wie ein Kind in einem Süßwarenladen“, erinnert sich Friedman.) Der Solotrompeter Esteban Batallán ist neu im Sammeln, aber seit seinem Eintritt beim CSO im Jahr 2019 hat er bereits etwa zehn solcher Instrumente angehäuft. Der Zweittrompeter John Hagstrom bringt beide dazu Schade: Er teilt der Tribune mit, dass seine Gesamtsumme „geheim“ sei, räumt aber ein, dass er mehr als 100 Trompeten besitze, die er als „spielbar“ einstuft, sowie Hunderte weitere, die er als historische Kuriositäten angehäuft habe.

„Es ist wie ein Katzenmensch: Irgendwann wird es ein bisschen seltsam“, scherzt Hagstrom. „Aber wie eine Katze hat jedes Instrument eine andere Persönlichkeit.“

Instrumente, die einst von erstklassigen Blechbläsern im CSO und anderswo gespielt wurden, haben Eingang in die Sammlungen von Hagstrom, Friedman und Batallán gefunden. Einige wurden sogar gerne gespendet, in dem Wissen, dass sie in guten Händen sind – in den allerbesten sogar. Die Ehre, sie zu spielen, fühlt sich laut Hagstrom an, als würde man „eine Stimme wieder zum Leben erwecken, auf einem Instrument, das vor 50 oder 100 Jahren gespielt wurde“.

Jay Friedman, Soloposaunist des Chicago Symphony Orchestra, präsentiert eine seiner antiken Posaunen aus seiner Sammlung. (Troy Stolt/für die Chicago Tribune)

Aber andere, unbekanntere Akquisitionen erfordern mehr Detektivarbeit. Sie schnüffeln herum, wenn sie im Ausland auf Tour sind, oder durchforsten zu Hause das Internet nach Hits. (Das deutsche eBay war für Friedman und Batallán ein Gewinner.)

Friedman setzte seine jahrzehntelange Suche nach einer deutschen Vintage-Posaune größtenteils fort – bis er vor etwa 20 Jahren zu einem überfüllten Second-Hand-Laden gleich um die Ecke seines damaligen Hauses in Oak Park ging. Er hatte gehofft, seinem Enkel ein gebrauchtes Instrument zum Ausprobieren zu kaufen, entdeckte aber stattdessen eine Posaune an der Wand, die so schmutzig war, dass sie „völlig schwarz“ war.

Als der Ladenbesitzer sie herunterzog, um sie genauer betrachten zu können, erkannte Friedman erstaunt, dass es sich um eine seltene, in Deutschland hergestellte Tenorposaune aus der Zeit um die Jahrhundertwende handelte. Er konnte eine Gravur in der Nähe der Glocke erkennen, die das Horn als Eigentum eines „O. Isserstedt“ – möglicherweise ein Verwandter, wie er inzwischen erfahren hat, des geschätzten Dirigenten Hans Schmidt-Isserstedt.

„Es stand 50 Jahre lang in einer Garage“, sagt Friedman. „Wenn es in einem guten Zustand wäre, würde ich es die ganze Zeit spielen. Ich musste in Deutschland daran arbeiten lassen, weil es Löcher hatte und der Schieber nicht funktionierte. Aber es ist immer noch das am besten spielende Horn, das ich habe – es hat den besten Klang.“

Dieser Klang variiert erheblich von Instrument zu Instrument und kann je nach Mundstück und natürlich auch dem Spieler noch stärker variieren. Im Allgemeinen klingen Instrumente des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts runder und voller als ihre direkteren, dichteren modernen Gegenstücke. Die Instrumente sind handgefertigt; Ihr Metall ist dünner und biegsamer und besteht aus Legierungen, die mehr Blei verwenden, als moderne Hersteller zu wagen wagen würden. Und ähnlich wie bei einer alten Geige verändert sich der Klang mit dem Alter, da Vibrationen das Metall im Laufe der Jahre des Gebrauchs immer weiter härten.

„Sie haben etwas, was die neuen Marken nicht haben können, nämlich die Seele im Klang“, sagt Batallán.

Diese Instrumente würden in einem Solo- oder Konzertkontext nicht glänzen, und Sie werden sie diesen Sommer definitiv nicht bei Ravinia sehen – laut Friedman „würde der Klang einfach verloren gehen.“ Aber sie sind die erste Wahl für jede Indoor-Ensemblearbeit, bei der Feingefühl und Mischung statt pyrotechnischer Inszenierung gefragt sind. Bei den letztjährigen Aufführungen von Beethovens Symphonie Nr. 4 saßen Batallán und Hagstrom direkt hinter einer sehr besorgten Holzbläsergruppe, ihre Ohrstöpsel bereit. Zu ihrer Überraschung war der sanftere Klang – von zwei B-Dur-Trompeten aus Hagstroms Sammlung aus der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg – kein Thema.

„Wir haben Energie ohne Schmerzen erzeugt“, sagt Hagstrom.

Die von der Gruppe am häufigsten verwendeten C-Trompeten mit silbernem Kolben emulieren den Klang eines ikonischen Modells des österreichisch-amerikanischen Herstellers Vincent Bach, der 1955 vier solcher Trompeten speziell für das Orchester anfertigte und noch immer gespielt wird. Diese Trompeten werden von Blechbläsern auf der ganzen Welt als Kompromiss zwischen der Clarion-Trompete, der aufgepeppten französischen Kolbentrompete, die sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den USA zum vorherrschenden Stil entwickelte, und der mit deutschen Hörnern verbundenen Breite geschätzt.

Aber die Drehventilinstrumente, die die Trompetengruppe normalerweise für deutsches Repertoire aus der Zeit vor dem 20. Jahrhundert spielt, sind sofort erkennbar: Sie sehen aus, als wäre die übliche Kolbentrompete um 90 Grad geneigt worden, und die Spieler drücken Hebel an der Seite des Instruments und nicht Knöpfe auf der Oberseite das Instrument. Für diese Aufführungen werden Batallán und Hagstrom ihre eigenen Sammlungen durchsuchen, um Drehtrompeten zu verwenden, die den Modellen, für die der Komponist geschrieben hat, am ähnlichsten sind.

Friedman, Hagstrom und Batallán verwenden alle alte deutsche Instrumente für Komponisten wie Mozart, Haydn, Beethoven, Schubert und Mendelssohn. Musik späterer Komponisten wie Dvořák und Wagner erfordert möglicherweise eine interne Diskussion darüber, ob man alt oder modern werden soll. Wenn sie nicht über genügend geeignete historische Instrumente verfügen, um sie an Kollegen auszuleihen, spielt die Sektion häufig mit einer Mischung aus antiken Instrumenten und modernen Reproduktionen dieser Modelle.

Der Cheftrompeter des Chicago Symphony Orchestra, Esteban Batallan, schaut sich einige seiner antiken Trompeten im Haus seines Kollegen Jay Friedman an. (Troy Stolt/für die Chicago Tribune)

Diese modernen Reproduktionen können nur bis zu einem gewissen Punkt gehen. Selbst Instrumente deutscher Hersteller, die behaupten, ihre Metalle aus denselben Steinbrüchen zu beziehen wie ihre Vorgänger aus dem 19. Jahrhundert, klingen einfach nicht gleich. Die heutige Wirtschaft kann auch keine hochspezialisierte Industrie rund um maßgeschneiderte Hörner hervorbringen, deren Herstellung unerschwinglich teuer ist. Und auch Orchester haben sich verändert und homogenisiert, was es schwierig macht, eine Nische für jene Instrumente in Ensembles zu schaffen, die nicht bereits von Traditionen besessen sind, wie die Wiener Philharmoniker.

„Es ist das Vorurteil der Technologie. Die Leute fragen sich: „Warum spielen wir diese Instrumente überhaupt?“ Was ist der Punkt? Haben wir uns nicht etwas Besseres ausgedacht?‘ Aber die Antwort ist nein“, sagt Hagstrom.

„Als junger Spieler denkt man, dass die alten Spieler einfach in der Vergangenheit feststecken und dass diese modernen Instrumente viel besser sind. Aber wenn ich im Orchester ein restauriertes älteres deutsches Instrument spiele, trifft es mich wie eine Wucht: Das haben sie gemacht, das ist der Klang. Wenn man das erlebt, ist es ehrlich gesagt demütigend.“

Die Geschichte, warum das CSO so viele Blechbläser-Geschichtsinteressierte fördert, ist in vielerlei Hinsicht eine Geschichte der CSO-Blechbläser selbst. Seine unverwechselbare Blechbläsertradition wurde von Hauptdarstellern mit unnatürlich langer Amtszeit geprägt: dem legendären Trompeter Adolph „Bud“ Herseth seit 53 Jahren, dem ehemaligen Solohornisten Dale Clevenger seit 47 Jahren und Solotuba Arnold Jacobs seit 44 Jahren. Friedman hat gerade erstaunliche 61 Spielzeiten mit dem Blasorchester abgeschlossen Damit sind er und die Harfenistin Lynne Turner die dienstältesten Musiker in der Geschichte des Orchesters.

In seinem Haus in Oak Brook ist eine Vincent Bach-Posaune Modell 45 aus dem Jahr 1954 zu sehen, die Jay Friedman gehörte. (Troy Stolt/für die Chicago Tribune)

Dieser Einfluss wurde noch verstärkt durch das, was Hagstrom als „längere Übertragung des Erbes“ über das Civic Orchestra bezeichnet: CSO-Mitglieder haben diese jungen Musiker seit 1919 betreut, und in den ersten Jahrzehnten könnte das Spielen im Civic eine direkte Verbindung dazu darstellen der CSO. (Es galt für Friedman und in jüngerer Zeit für die Hornisten Jim Smelser, Daniel Gingrich und Oto Carrillo.) Auf diese Weise blieb die Vorliebe für einen deutschen Blechbläserklang weitgehend ungebrochen, anders als bei vielen anderen amerikanischen Orchestern, als die Deutschen während der Weltmeisterschaft von ihren Posten entwurzelt wurden Erster Krieg.

„Wenn man die Deutschen in Chicago loswerden würde, gäbe es kein Orchester“, sagt Hagstrom.

In den 1960er Jahren war das CSO das erste moderne amerikanische Orchester, das zu seinen Wurzeln zurückkehrte und deutsches Repertoire mit Trompeten im deutschen Stil spielte, eine Veränderung, die in den 1960er Jahren von Herseth inspiriert wurde. Hagstrom betrachtet die historistische Ausrichtung des CSO als eine Erweiterung dieser ursprünglichen Liebe zum Detail.

„Was wir erben, ist die Ehrfurcht unserer Vorgänger davor“, sagt er.

Diese Ehrfurcht schließt niemals das Experimentieren aus. Hin und wieder veranstalten Batallán und Hagstrom „Shoot Outs“, bei denen sie eine Auswahl aus ihrer Sammlung zusammenbringen, um verschiedene Instrumentenkombinationen zu testen. Als Vorbereitung auf die jüngsten Konzerte des CSO mit Schubert 9 und „Missa solemnis“ experimentierten Hagstrom und Batallán mit elf deutschen Trompeten, um für jedes Stück die perfekte Paarung zu finden.

„Eine gute Analogie ist die Kombination einer Krawatte mit einem Anzug. Man kann eine schöne Krawatte haben, aber passt sie zu diesem Outfit? So richtig weiß man es erst, wenn man es mit dem Outfit wirklich ausprobiert. Eine Kolbentrompete könnte wie eine Million Dollar klingen, aber sie ist möglicherweise keine gute Ergänzung zum Orchester, sagt Hagstrom.

Musiker in großen Symphonieorchestern erhalten in der Regel eine zusätzliche Vergütung, wenn sie mehr als ein Instrument im selben Programm spielen: Trompete und Kornett zum Beispiel oder Trompete und Flügelhorn. Einige Orchester umfassen Drehventilinstrumente im deutschen Stil jeden Alters in dieser Unterscheidung.

Der Solotrompeter des Chicago Symphony Orchestra, Esteban Batallan, hält seine B-Flat-Rotary-Trompete von FA Heckel aus dem Jahr 1925, während Soloposaunist Jay Friedman seine zwischen 1910 und 1920 hergestellte Tenorposaune FA Heckel, Modell Penzel, hält, während die beiden vom Rest umgeben sind ihre Sammlung antiker Instrumente in Friedmans Haus in Oak Brook. (Troy Stolt/für die Chicago Tribune)

Die Verträge des CSO berücksichtigen jedoch keine deutschen Verdoppelungen. Diese Spieler tun dies nur aus Liebe zur Musik – und um sich für Klänge einzusetzen, die schnell verschwinden.

„Niemand hat uns jemals darum gebeten. Wir tun es aus eigenem Antrieb und wir tun es gerne, denn in den Stimmen der Vergangenheit steckt Weisheit“, sagt Hagstrom. „Das ist es, worum es beim Chicago Symphony geht: die Extrameile zu gehen, um eine Verbindung zur Musik und zur Vision des Komponisten herzustellen.“

Hannah Edgar ist freie Kritikerin.

Das Rubin Institute for Music Criticism hilft bei der Finanzierung unserer Berichterstattung über klassische Musik. Die Chicago Tribune behält die redaktionelle Kontrolle über Aufgaben und Inhalte.